荣耀光芒下的低工资艺术工作者 集体过劳的艺术世代澳门金沙总站:

By admin in 艺术 on 2019年7月28日

澳门金沙总站 1西格劳博与律师波简斯基起草的《艺术家保留转让权利与出售协议合约》

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非物质实践与收入间的矛盾

学习成为艺术家之后

今年初,艺评人琼斯(Susan Jones)于《卫报》(The
Guardian)发表〈艺术家的低收入与地位是国际问题〉(Artists’ Low Income
and Status Are International
Issues)一文,谈及即便是在有完善收费制度的国家,艺术家的低工资仍是一个少被解决的问题,如研究组织「Paying
Artists」在2014年的数据所示,多数当代艺术家都处在最低财务生存底线或低工资的状态,他们能从自己作品中获取的「薪资」也不过只占生活所需的66%(且并非所有艺术家都能以此维生)。在艺术家地位被立法保护的加拿大,艺术家的平均年收入也只达到他们国民所得的74%水准,其中只有43.6%的艺术家是从他们的艺术工作(54%作品销售,其他来自捐款或补助)获得收入。而2009年已有政府与艺术家组织共同规定艺术家展览收费标准的瑞典,仍有60%的艺术家在小型空间展出时没有获得展览费用,或收到低于协议标准的金额。

前前后后加起来,如果连同以工读生身分担任画廊助理的时光都算进去,在约莫有十年的艺术行政工作经验里,我必须承认,“艺术行政”之於我,做为一个专业的认知、架构和工作范围的理解被有组织地建构起来,是在我进入到学院担任这个领域的教师之後才发生的事。原因并非我对於这个领域不关心不在乎,而是因为,当就学於美术系所,从大学到研究所,我从没有接触过这个词汇,而是“直接”进入这个领域的职场。一直到出国念书,知道有硕士课程是Arts
Administration,才晓得原来我做过的这些事情叫做“艺术行政”。而对我而言,它就是总括了我在这些职位上做过的所有事,甚至加上许多我还没有机会做到的事。

对于这个特殊的职业现象(创作过程中的劳动与耗费的时间往往不被计入),仍可见某些政策上的努力,如爱尔兰自2001年起颁布「艺术家享有所得税免税」的法令,或其他国家针对艺术家特有的工作模式,允许以艺术创作成本抵税等规定,而在某些方案中则特别强调艺术性与非艺术性收入之间的相互依赖性(有些艺术工作通常由非艺术性工作维持),而允许自总收入中扣抵艺术工作的成本。这样的规范除了实质地协助艺术家回收不可见的劳动成本,另一方面也因艺术家、画廊无须刻意避税而虚报销售结果,使政府机构得以更为正确地评估、计算文化艺术产业的发展状况。

因此,当我以另一种身分回到学校时,该如何面对与我当年同样是美术系学生,并将我从扫地打水练起、到现在才稍微懂得如何比画的功夫,系统化地传授给他们呢?答案暂且是,让他们也从扫地打水练起,然後传授一些练功过程要注意的眉角与诀窍,给他们机会和其他同学在课堂中练习比划,至於真正能修到什麽,那也就只能看个人了。

在民间方面,十年前英国的艺术家谘询公司a-n首先提出了视觉艺术的收费框架,做为艺术家与付费者互相理解的参考依据,除了提供单位预算项目的费率标准,同时也做为自营艺术家计算自己专业费用的工具包,纽约艺术劳动维权组织Wage
for
Work也有线上费用计算机的功能。但上述方法对于较无法在市场中流通的创作方式(如观念、行为或其他实验性质的作品)来说,似乎还需要其他应对方法,此类讨论也许可以回溯至1971年由美国画商、观念艺术推广者西格劳博(Seth
Siegelaub)与律师波简斯基(Bob
Projanski)所起草的《艺术家保留转让权利与出售协议合约》(The Artist’s
Reserved Rights Transfer and Sale
Agreement),这纸合约的目的是希望能适应任何一种艺术生产(即便他们没有可见的物质生产),以维护艺术家本身的权益。其中最显着的例子是艺术家出售作品後,可以自未来每次作品转售中获取15%的金额(类似规定已通过欧盟决议,但是由各国法律自行规定),艺术家亦有权利得知或否决作品未来展出、安装的状态,这些规定甚至延续到艺术家死後其配偶仍拥有21年的权利,而这些条文另一方面也避免了作品被过度炒作或被错误展示而导致艺术家声誉损害等情形。

如同现任台北市立美术馆馆长林平在2004年的文章〈从哪里来?往哪里去:试析台湾艺术行政人才的培育环境〉文中所提(注1),艺术行政这个专业,是随着社会与环境改变因而发展并被认知的工作领域。这篇文章详细地分析了这个专业在台湾的发展、需求以及学院所面临的任务。然而,过了十几年,从近几年来以艺术行政为主轴进行的专题讨论以及平台建置来看(注2),艺术行政的职场环境仍然困境重重。那麽在学院中的学生与老师,究竟该以什麽方式来理解,甚至进行准备?时至今日,“艺术行政”已是绝大多数学生耳熟能详的词汇,然而从我教授的两门艺术行政相关课程的学生报告中来看,有不少学生在上这些课程之前,对於艺术行政的专业以及其工作内容的想像与认识,仍然停留在文书或行政处理,而并不清楚做为一位专业的艺术行政人员,其实亦需要有艺术的眼光、创意的思考、执行展览的技术、企画行销、会计的能耐、尤其是人际与沟通的技巧等。而这些能力,究竟能够如何养成?

造成您参观的不便,我们不感抱歉

艺文工作者陈韦臻於2015年的《典藏.今艺术》专题文章中指出,读於艺术相关系所的毕业生较2005年高出了一倍之多(注3),而这些毕业生,他们对於毕业後的想像究竟为何?同一个专题中,艺术评论者王圣闳从艺术生态与环境的支援系统分析提出了目标成为艺术家或成为非创作工作者的比例悬殊的人才空缺问题。(注4)目前台湾已有十几所公私立大学开设艺术行政与博物馆学等相关硕士课程(注5),这些硕士课程的设立与招生对象,以及相关职位亦需企业管理专业相关人才等现实(注6),反映这个领域其实对於非艺术相关科系的大学毕业生是相当开放的。然而,从对於艺术史、艺术家、作品、材料、展览、环境、创作者特质等等方面的理解背景来看,艺术相关科系的大学生在这个领域中应该仍然有着不少优势。然而人才的空缺究竟从何而来?以我身处的环境为例,若我能以一个做为学院教师新鲜人的身分提出一个观察,那便是:艺术相关科系学生们对於艺术领域中不同专业与工作岗位的认识,以及毕业後的角色选择,学院的课程结构以及学习系统有着着实不小的影响力。

近年来,在新自由主义的冲蚀下,国际性大型美术馆私有化与员工权益冲突问题也屡见不鲜,英、美等国的美术馆员工罢工、维权行动也随之增多,如一直为罗浮宫、古根汉美术馆阿布扎比(Abu
Dhabi)分馆前线劳工争取权益、抗议外劳所得远低于薪资标准的「海湾劳动」(Gulf
Labor),日前于威尼斯双年展、纽约两地发起占领古根汉美术馆的相关行动。另一方面,纽约现代美术馆(MoMA)员工也在6月亲自递交抗议信给馆长劳瑞(Glenn
Lowry),并于联署书中写道:「我们热爱我们的工作,并自豪在世上最好的美术馆里。我们应该要有一份公平的工作合同」,表达对馆方每年从游客、零售与捐赠中吸取数亿美元,但却要求大幅削减员工医疗福利支出,长期工资级距悬殊造成员工的不满。8月中,英国最大的公务员工会「公共与商业服务工会」(The
Public and Commercial Services
Union,PCS),为扞卫国家艺术机构的本质、抵制美术馆因节省开支将部分馆内职务外包给私人公司,影响原于该岗位服务的大批职员,进而与美术馆员工发起无限期全员总罢工,这个行动使得年观众数高达600万人次的英国国家美术馆(The
National
Gallery)不得不贴出公告表示:「由于持续罢工影响,美术馆部分公共空间服务将受限制,若导致您的不便,我们深表歉意」。此次罢工至本文截稿时仍在延续,并已收集到13万份请愿书反对美术馆私有化。8月底,苏格兰国家博物馆公共与商业服务工会也针对2011年起取消的周末加班津贴发起再次抗议,在工会的声明中指出:「目前博物馆存在双重待遇,2011年1月前受聘者每年可获2000至3000英镑的周末津贴,这对低收入的职工而言将对生活带来很大影响。」而今年秋天,巴黎罗浮宫(Musée
du Louvre)、凡尔赛宫(Chateau de Versailles)和奥赛美术馆(Musée
d’Orsay)打破原本每周闭馆一日的惯例,改为一周七天连续开放的新政,这项无视馆内人力不足、连维护日也要开放的举措也遭来奥赛美术馆员工进行罢工抗议。

让我们面对现实,进入到美术系的学生,不可能人人都成为艺术家,这个环境也不可能负担得起这麽多艺术家。然而美术相关科系的课程以及训练,仍是绝大多数都将目标放在“让学生成为一个艺术家”去进行安排。因此,在大环境已然有许多变化,对於艺术行政、评论等相关技术、劳力与生产工作者等领域区分愈来愈专业、细致,亦随着市场、机构与政策等大环境对於艺术文化环境养成的成熟,而有愈来愈高的非创作者专业需求的同时,在以“培养艺术家”为主要目的的课程结构中,艺术行政等相关课程的安排与训练,便显得十分有影响力了。

艺术工作者的生存权益

从“人”开始

在以上所提的几组行动中,除了明确显示出新自由主义与私有化如何影响艺术经济与机构外,同时也指出了艺术劳动中经常被忽略、外于艺术家的其他专业劳动者权益。去年底,在加拿大图书奖期间《Metro
News》一篇以〈Can You Afford to Be a Full-Time
Writer?〉为题的文章,点出并非所有以写作为职之人都可以靠出版收入或奖金维生(即便获得补助也会被扣税),许多作家必须仰赖其他工作,如教职身分或大量演讲出席费,种种问题都使这些执笔者陷入贫穷线边缘。这些不被官方计算的无形劳动,也反映在台湾国民年金徵收与二代健保课收补充保费对于艺术圈中大量自由接案者的影响,政府部门似乎无感于文化艺术发展的滞步与专业人士生存现况有关。同样是去年底,爱沙尼亚文化部与爱沙尼亚雇员工会联合会方才签署了《文化专业人才工资协议》,为文化从业者增加4.5%的平均工资,要求一名专职文化工作者每月薪资至少为731欧元(不足部分由国家补足),而这项谈判也被期待为该国经济中,未来那股令人惊喜的生产力,文化部长蒂杜斯(Urve
Tiidus)指出:「在民主社会中,决策是基于反覆辩论,所以此次协定也发生在这种愉快的氛围之中,增加文化专业人员的基本工资,是进一步实现爱沙尼亚文化政策的原则与目的」。这项政策将持续至2020年,保障文化工作者必须达到爱沙尼亚劳动市场工资的最低水准,确保下一代专业人才的基本生活,范围也扩及所有文化相关职工,包括政府部门、私人基金会、公立机构等文化领域相关机构,并转由当地政府进行组织与管理以期确实发挥作用。

从认识各式各样艺术行政工作者的“合作对象”开始也许是不错的第一步。让尚在认识这个领域,或者说,还在认识艺术、及其环境的学生们,能够因此对於整个艺术与其相关工作范围所可能接触到的人、事、物有所认识,也能对於艺术领域的工作结构有初步的了解。若能够从“合作”而非“服务”或“管理”的角色来理解这个工作职务,那麽,便有可能打破这些工作范畴中的阶级之别,并进一步认知这个工作是多麽深切的与“人”相关。而重要的是,“合作”当中有“团队”的概念,尽管不是受雇於同一个老板,但从空间、艺术家、策展人、收藏家、工程、技术、灯光、设计、财务、公关、实习与工读生甚至到保险、律师、清洁与餐点,这些透过艺术行政工作者串连起来的人员网络,便是每一个机构以及展览与计画得以顺畅运行不可或缺的团队。

就艺术做为一种职业而言,争取「艺术家」的工作权益一直是各联盟甚至艺术家工会所致力的目标,相较于艺术家身分较早被确立、相关讨论较为成熟的国家,台湾对于艺术家的劳动与职业身分的正式争取,却一路迟至2008年10月国民年金制度正式实施时才浮上台面。「台北市艺术创作者职业工会」(以下简称「艺创工会」)于2011年正式成立。回顾历史,2009年4月,汤皇珍与30位艺术家共同发起「艺术创作者职业工会筹备会」,希望透过职业工会组织,让艺术工作者也能纳入劳工保险体系,经多方讨论奔走,隔年,劳委会终新增第505项职业类别。其定义为:「凡从事视觉艺术、表演艺术、艺术类策评提供构想、计划、意念之创作,并公开发表之劳工属之」。至此,艺术工作者均可透过工会取得应有的职业保险,并以「艺术创作者」之名享有该身分应有的劳健保福利,屏除过去因投保与自身职业无关的工会,而无法获得保障的风险。

接着,或许可以由艺术行政工作者可能的工作方式与地方来谈。博物馆、美术馆、剧院、音乐厅、公司、基金会、画廊、艺术空间、艺术村、乐团舞团、个人助理、工作室或专案工作者。每一个不同的工作环境皆有其特点也需要不同的特质与能力。组织愈大的地方通常分工愈细,但是其中企画与专案管理的能力可说是各处皆有所需求。因此学习一份企画与专案的格式、目的与目标的设定、执行的方法、时间表与经费表的制作、各式合约的拟定、执行的掌控、与目标群众的互动和回馈以及维护与检讨等事项,便是一件对於美术系的学生陌生而充满挑战的事。而由此进一步,从每一种属性的机构去认识艺术相关空间的发展背景与历史,甚至了解其与相关法规发展的关系,学生可从此认知机构与空间的角色与立场,并进一步思考做为无论是创作者或非创作工作者的独立个体,与这些场所的合作关系。

但较少有人知道的是,继2011年艺创工会成立後,在2012至2013年期间有另一群由专业艺术行政工作者(石隆盛、陆洁民、朱汝慧、林心如、陈韦晴等)计画筹备的「台北市视觉艺术行政人员职业工会」。回看艺创工会成立之初,其入会身分需为:「表演艺术、视觉艺术、艺术类电影、艺术策展评论之艺术创作者」,其中缺乏了同在艺术工作岗位上,从事经营管理、策展行政、艺术经济、行销推广等「非创作型」专业人员,故艺术行政人员工会的成立初衷,便是希望以工会方式保障这些工作者,并计画筹备研究、教育课程、修改相关劳工法、进行国际交流等内容。当时成员之一的朱汝慧谈到:「这些行政工作者也包含了没有固定雇主、自营作业的专业者,他们的工作处境往往比艺术家的工作状态更难被讨论,台湾的大专院校虽有这类艺术行政相关系所,但在业界工作时却没有确切的保障,我们当时筹备工会的初衷就是希望让这些人被看见」。但相对于艺术家而言,从事艺术行政工作者除了自由接案人员外,即多属于私人机构下的员工,时间亦较不自由,而成立工会所需投入的时间、人力与人员聚会的要求,对这些工作者而言是很高的门槛,这些都使得艺术行政工会的成立有实际操作层面上的困难。

从门房做起

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